http://filmkritik.typolis.net/ Blog für Texte, Bilder, Töne und Filme typolis: aemkei (mailto:mail@filmundkritik.de) 2011-03-02T11:15:04Z en hourly 1 2000-01-01T00:00:00Z http://filmkritik.typolis.net/stories/250753/ An dieser Stelle würde ich gerne eine Idee und einen Verbesserungsvorschlag zum Besten geben. Erstens: Die Idee. Wenn Deutsche Filme über ihre Vergangenheit machen, wird das entweder ein Film über die Nazizeit oder über die DDR. Anscheinend gibt es nichts anderes über was wir historische Spielfilme machen können oder wollen. Warum wir das machen ist bis heute ungeklärt. Jedes Jahr erleben wir auf der Kinoleinwand oder im heimischen Wohnzimmer ein neues mitreißendes und herzergreifendes Schicksal aus dem mauerumringten Eiland in Mitteleuropa. Und Hitler, Goebbels, Speer und Konsorten werden auch jedes Mal von anderen Schauspielern dargestellt. Doch als ob das jetzt nicht schon genug wäre. Denn auch in der BRD gab es ja etwas, was man irgendwie filmisch verwursten kann. Haben Sie es schon erraten? Richtig. Es sind die ´68er. Den ersten richtigen Durchbruch für dieses Thema gab es mit dem Film „Der Baader-Meinhof-Komplex“. Der war groß, der war erfolgreich, da haben alle deutschen Schauspieler mitgespielt. So sah es jedenfalls aus. Dann kam noch ein kleiner Fernsehfilm über Rudi Dutschke, der aber kläglich unterging. Und jetzt gibt es eine sogenannte Vorgeschichte zum Uli-Edel-Film. „Wer wenn nicht wir“. Er erzählt die Anfänge der ´68er anhand der Liebesbeziehung von Bernward Vesper und Gudrun Ensslin. Die Liebe scheitert, weil beide in verschiedene Richtungen des Widerstands driften und Ensslin mit Andreas Baader rummacht. Und jetzt mein Vorschlag: Könnte man nicht die ganzen Streitigkeiten der Filmkritiker (Wer ist der beste Andreas-Baader-Schauspieler? Wer verkörpert am besten Rudi Dutschke?) umgehen, indem man einfach festlegt, wer in jedem neuen Film über die ´68er den jeweiligen historischen Charakter spielt? Dann würde ich nämlich sagen, dass „Der Baader-Meinhof-Komplex“ aufgrund seines Erfolges, der Maßstab ist an dem sich nachfolgende Filme zu halten hätten. Johanna Wokalek wäre immer Ensslin. Moritz Bleibtreu hätte als Baader wahrscheinlich am meisten zu tun. Genauso wie Sebastian Blomberg als Rudi Dutschke. Man müsste sich nicht mehr merken, wer wen wo historisch korrekt dargestellt hat. Es gäbe nur noch einen Schauspieler oder eine Schauspielerin, die man sich merken müsste. Das wäre zum Vorteil für alle Zuschauer und auch für die jeweiligen Schauspieler. Denn die müssten sich keine Gedanken mehr um zeitweilige Arbeitslosigkeit machen. Sie würden ja jedes Jahr zu tun haben. Und wenn man jetzt noch den ganzen historischen Kontext der ´68er verwursten möchte, könnte man dann nicht gleich eine Soap-Opera machen? Ich glaube Themen für mehrere Staffeln sind in vielen Geschichtsbüchern zu finden. Man könnte es ungefähr wie „Friends“ oder „How i met your mother“ aufziehen. Es gibt eine kleine Gruppe, die in jeder Folge mitspielen und die restlichen Charaktere sind nur für einzelne Episoden da. Und man könnte jede Folge mit einem schönen Cliffhanger beenden: Werden Gudrun und Andreas zusammen zur Demonstration gehen? Wie lange wird Buback noch in Gefangenschaft bleiben? Wird Benno von einem Wasserwerfer oder einer Kugel getroffen? Ich hoffe ja die deutschen Filmemacher nehmen sich meine Idee zu Herzen. Zweitens: Der Verbesserungsvorschlag. Dies geht vor allem an die Leute, die die kleinen Texte im Berlinale-Journal schreiben. Ich zitiere nun ein Beispiel, welches mir besonders aufgefallen ist: „Exemplarisch für die Schnittstelle von Innen und Außen steht Thomas Imbachs außergewöhnlicher Film „Day is Done“. Über mehrere Jahre hat der Schweizer Regisseur die Welt vor seinem Atelierfenster beobachtet und die Nachrichten auf seinem Anrufbeantworter archiviert. Das filmische Ergebnis ist eine vielschichtige Studie vergehender Zeit und künstlerischer Identität.“ (Berlinale Journal 2011, S. 53, S. 1, Z. 19) Das ist doch nicht euer Ernst? Wen wollt ihr denn damit ins Kino locken? Da kann ich ja genauso gut aus dem Fenster gucken und mir meine Mailbox anhören. Ich kann mir nicht so wirklich vorstellen, dass da irgendeine Art von Spannung aufkommen soll. Geschweige denn irgendeine Handlung. Wahrscheinlich passiert jeden Tag sowieso nur das gleiche. Aber das müsst ihr doch besser verkaufen. Ihr müsst den Leser mit dem Text so auf die Folter spannen, dass er sich unbedingt diesen Film angucken muss. Ihr verratet ja schon in den drei Sätzen die ganze Handlung des Films. Es gibt also nichts mehr worauf sich der Zuschauer noch freuen kann. In die drei Sätze muss einfach mehr Spannung rein. „Thomas Imbach hat in seinem Film „Day is Done“ ein mysteriöses Geheimnis, welches sich vor seinem Atelierfenster abspielte, aufgedeckt. Und sein Anrufbeantworter spielte dabei eine gar nicht so unwichtige Rolle.“ Das ist doch Spannung pur. Und das sogar in zwei Sätzen. Klingt zwar ein bisschen nach „Das Fenster zum Hof“, aber immer noch besser als ihr langweiliger Dreisätzler, der mich leider nicht ins Kino gelockt hat. „Wer wenn nicht wir“ Deutschland, 2011, 124 min Deutsch Regie: Andres Veiel Darsteller: August Diehl, Lena Lauzemis, Alexander Fehling Sektion: Wettbewerb „Day Is Done“ Schweiz, 2011, 111 min Schweizerdeutsch Regie: Thomas Imbach Sektion: Forum typolis: Film und Kritik feivel berlinale 2011, wer wenn nicht wir, day is done Copyright © 2011 feivel 2011-03-02T11:15:04Z http://filmkritik.typolis.net/stories/250752/ Was bewegt einen dazu vorzeitig aus dem Kino zu gehen? Die schlechte Bildqualität? Jagadangchak läuft in 4:3 und hat so viele Kratzer und Flecken auf dem Film, dass es eigentlich schon wieder ästhetisch wirkt. Der nicht ganz verständliche Humor? Jagadanchak hat einen super lustigen Humor. Soll ja schließlich eine Satire sein. Und was ist denn bitte an einem Polizeimaskottchen namens Podori, was keine Beine hat und gegen die Ratten, die seine neu gelieferten Beine anknabbern, in seiner Wohnung kämpft, nicht lustig? Vielleicht ist es aber auch die nicht ganz so offensichtliche Kritik an Südkorea? Ich muss sagen, die hab ich auch nicht entdeckt. Aber das ist ja noch lange kein Grund zu gehen und nicht weiterzulachen. Oder ist es vielleicht der brennende Dildo, den sich eine Frau umschnallt und versucht Podori damit zu töten? Ja, das wird es wohl sein. “Jagadangchak: shidaejeongshin kwa hyeonshilchamyeo | Self Referential Traverse: Zeitgeist and Engagement” Republik Korea, 2011, 73 min Koreanisch Regie: Kim Sun Darsteller: Podori, Jung Ayoung, Kang Suk Sektion: Forum typolis: Film und Kritik feivel berlinale 2011, jagadangchak, korea Copyright © 2011 feivel 2011-03-02T11:12:59Z http://filmkritik.typolis.net/stories/250751/ Perspektivlosigkeit. Das ist die Begründung der FSK, dass der Film „Bis auf Blut“ die Markierung „Ab 16“ tragen muss. Es ist nicht die Brutalität mit der Leute gemobbt, verprügelt und abgestochen werden. Zum Teil ist es die Sprache der Jugendlichen, die schon fast eine rekordverdächtige Anzahl von Schimpfworten aufweist. Doch vor allem ist es die Perspektivlosigkeit. Die Perspektivlosigkeit, die Sule und Tommy in die Drogendealerei rutschen lässt. Die Perspektivlosigkeit, der immer wieder aneinander geratenen Jugendlichen, die nicht wissen, was sie mit ihrer Kraft anfangen sollen. Die Perspektivlosigkeit, die Tommy in den Jugendknast bringt und Sule weiter im Dealersumpf versinken lässt. Als Tommy wieder rauskommt, versucht er wieder auf den rechten Pfad zu kommen. Er hat die Abgründe gesehen und miterlebt. Er was das Mobbingopfer von seinen Zellenkollegen. Doch Sule drängt ihn immer wieder vom Weg ab. Der will unbedingt einen Auto-Tuning-Shop eröffnen. Das Geld dafür soll sowohl vom Drogenhandel, als auch von der Bank kommen. Tommy schafft nicht so wirklich den Absprung von seinem alten Leben. Immer wieder ist er zur falschen Zeit am falschen Ort. Eigentlich will er nur herausfinden, wer ihn verraten und damit in die Zelle gebracht hat. Er versucht sich mit seiner Freundin wieder zu vertragen, die ihn in dem halben Jahr nicht einmal besucht hat. Doch immer wieder kommt Sule dazwischen und fängt mit neuem Unsinn an. Dealen mit Koks und die Liebe zu einem Mädchen, das ihn nur benutzt um ihren Vater zu ärgern. Die Situationen wiegeln sich gegenseitig auf, bis Tommy endlich klar wird, dass es Sule war, der ihn verraten hat. Zudem werden beide wegen des Verrats eines anderen festgenommen. Tommy erhält die Chance Sule ebenfalls zu verraten und dafür nicht noch einmal in den Knast zu gehen. Zuerst ergreift er die Möglichkeit, doch vor Gericht macht er einen Rückzieher. Sule bekommt drei Jahre und Tommy ein halbes Jahr. Sule bleibt auch im Gefängnis seinen gangsterähnlichen Prinzipien treu und hält weiterhin an der Idee der Autowerkstatt fest. Tommy hingegen nimmt sich ein dickes Physikbuch und fängt an zu lesen. Er möchte Lehrer werden. Perspektivlosigkeit sieht für mich anders aus. „Bis aufs Blut – Brüder auf Bewährung“ Deutschland, 2010, 109 min Deutsch Regie: Oliver Kienle Darsteller: Burak Yigit, Jacob Matschenz, Aylin Tezel, Manuellsen Sektion: German Cinema - LOLA@Berlinale typolis: Film und Kritik feivel berlinale 2011, bis aufs blut, jacob matschenz Copyright © 2011 feivel 2011-03-02T11:11:51Z http://filmkritik.typolis.net/stories/250750/ Wäre es nicht schön, einfach mal so zu schreien. Sich hinzustellen und in den Himmel schreien. Ohne dabei von Passanten blöde angeguckt zu werden. Als wäre es das normalste auf der Welt. Wenn einen alles ankotzt und man die Welt um einen herum nicht mehr verstehen kann oder will. Einfach mal drauf los zu schreien. Zu schreien, wenn die große schwangere Schwester den Typen verprügelt, der die mobbende Masse anführt. Zu schreien, wenn die eigene verstörte Mutter ohne Grund das Haus verlässt. Zu schreien, wenn der eigentlich gewalttätige Vater auf einmal liebenswert wird, als er seine Platzwunde am Kopf zunäht. Zu schreien, wenn man ganze Nachmittage mit trinken, dealen, kiffen und Scheiße bauen verbringt und merkt, dass es eigentlich schlecht ist. Zu schreien … Doch das geht nicht. Man kann nur weinen. Still und heimlich, damit es keiner mitkriegt. „Yelling to the Sky“ USA, 2010, 96 min Englisch Regie: Victoria Mahoney Darsteller: Zoë Kravitz, Gabourey Sidibe, Tim Blake Nelson Sektion: Wettbewerb typolis: Film und Kritik feivel berlinale 2011, yelling to the sky Copyright © 2011 feivel 2011-03-02T11:10:25Z http://filmkritik.typolis.net/stories/250749/ Szene: Großes Filmbüro in Hollywood. Drehbuchschreiberling geht zu einem Filmproduzenten. Hey Boss, ich hab eine super Idee für einen neuen Film. Na dann erzählen sie mal. Also das ganze spielt in einem kleinen Dorf. Kurz vor Ende des römischen Reiches. Kurz vor Anfang des Mittelalters. Und da sind zwei Bauern. Beide werden später noch unwichtig. Der eine mehr, der andere weniger. Beide beobachten, wie an einem Tag einem Tag viele Leute aus dem Dorf an einer unbekannten Krankheit sterben. Das Dorf ist auch als erstes im ganzen Land betroffen. Unter den Toten war auch der Dorfälteste. Der neue Dorfälteste beruhigt die beiden jedoch schnell, dass das noch lange nicht das Ende ist, da er immer einen lockeren Spruch vom Leder lässt. Als der alte Dorfälteste gestorben ist, hat er dem einen Bauern ein geheimes nichtvollendetes Dokument über die geheimnisvolle Krankheit gegeben und zu ihm gesagt: „Sei vorsichtig.“ Also macht der Bauer, von Neugier gepackt, an das Dokument heran, um es zu entschlüsseln. Dabei entdeckt er das dunkle Geheimnis der mysteriösen Krankheit. Er benachrichtigt sofort den anderen Bauern und den neuen Dorfältesten. Beide sind, wie der erste Bauer, erschüttert von dem Dokument. Nun gehen alle drei zum Dorfhäuptling, um ihm von der gewonnenen Erkenntnis zu berichten. Da dieser nicht so richtig weiß, was er damit anfangen soll, machen sich alle vier auf zum Landesvater. Doch der Landesvater und seine Berater, eine Kampfamazone und ein Mann aus einem weit entfernten Land, wissen auch keinen Rat, was sie jetzt genau machen sollen. Er befiehlt jedoch den alten Dorfältesten wiederzubeleben, um ihn um Rat zu fragen. Dies klappt aber aus irgendeinem Grund nicht. Daher fangen alle an zu Gott zu beten. Der Bauer, der das Dokument entziffert hat, wird von Gott gebeten, es ihm so simpel wie möglich zu erklären. Gott gibt ihnen natürlich eine Antwort. Doch nicht alle sind zufrieden mit der Antwort von Gott und so spinnt sich ein kleines Netz von Intrigen und Verrätereien zwischen den Protagonisten. … Das wäre mal so das grobe Konzept. Es muss jetzt noch ein passendes Ende und die ganzen Feinheiten eingesponnen werden. Und heißen soll das ganze „Marcus Callus“. So soll der Bauer heißen, der die Reise der Helden anstößt. OK. Klingt gut. Könnte man machen. Ich würde nur ein paar kleine Änderungen vornehmen. Also Mittelalterfilme kommen ja gar nicht mehr so richtig an. Das muss heute und jetzt spielen. Das zieht die Leute ins Kino. Und die Krankheit müssen wir auch irgendwie ersetzen. … Ich hab eine Idee. Die Krankheit ist die Finanzkrise. Das ist aktuell. Das interessiert die Leute. Und die Figuren sind nicht mehr Bauer und so weiter, sondern kleiner Arbeiter, mittlerer Arbeiter, großer Arbeiter, Chef mit Anwältin und Berater und Oberchef. Und das Land ist eine Bank oder irgend so eine Firma, die irgendwas dauernd mit Zahlen rechnet. Wo keiner richtig versteht, was die da eigentlich machen. Deshalb ändern sie auch den Namen. Nennen sie es „Margin Call“. Das ist irgendein Begriff aus der Finanzwelt. Versteht eh keiner. … Genauso ändern sie das. Und wer soll alles mitspielen? Ach da gehen sie einfach mal eine Etage tiefer zu Martha. Die hat das Schauspielerbingo entwickelt. Falls die Schauspieler ihnen nicht gefallen, ziehen sie einfach nochmal. Aber eine gute Mischung muss bei rauskommen. Alte und neue, bekannte und unbekannte. Und wer soll das Ganze dann umsetzen? Ach, nehmen sie irgendjemand unbekannten. Die Namen der Schauspieler tragen dann schon genug zum Erfolg des Filmes bei. Und jetzt rasch an die Arbeit. Ich will das Drehbuch morgen auf meinem Tisch sehen. Geht klar, Boss. „Margin Call“ USA, 2010, 110 min Englisch Regie: JC Chandor Darsteller: Kevin Spacey, Jeremy Irons, Demi Moore, Paul Bettany, Zach Quinto Sektion: Wettbewerb typolis: Film und Kritik feivel berlinale 2011, margin call, kevin spacey Copyright © 2011 feivel 2011-03-02T11:07:49Z http://filmkritik.typolis.net/stories/231696/ The win and will situation Das „Wissen der Filme“ geht einem zu keinem Zeitpunkt mehr auf, als im Augenblick des 5. Mals Filmlicht an einem Tag - während der Berlinale „Shorts“ steigt diese Zahl plötzlich auf 9. Doch dann ist er plötzlich da: Der 10. und letzte Film für heute. Spike Jonze und Arcade Fire präsentieren „Scenes from the suburbs“. Aus Submarine (15. 02., 19. 15 Uhr, Cinestar 8) weiß man, dass sich Teenager gern den eigenen Tod ausmalen, um sich weitergehende Gedanken um die Aufrichtigkeit & Gerechtigkeit des eigenen Ablebens zu machen. Schließlich ist der finale Punkt, die eigene Beerdigung – der Moment, der sich gedanklich immer die Trauer der Freunde ausmalt und schließlich doch nur die Illusion nach mehr Anerkennung meint. Das erste erinnerte Bruchstück der kanadischen Band Arcade Fire ist das Album „Funeral“. Will Butler ist 5 Tage älter als ich: Die gleichen Bands, die gleichen Filme, die gleichen 90-er Jahre, die gleichen Bücher, Konzert Reviews, Indie Diskos, Slackers, Generation X, Sonic Youth Songs – wer weiß. Oder ganz andere. „Suburban life, a pretty wife“ beginnt die erste Single von Ugly Kid Joe, deren Album 1992 auf MC erscheint. Damals gab es noch keine als 2.0 Söldner verkleideten Bandmitglieder, die mit dem Maschinengewehr in der Hand „What´s your name?“ brüllen. Wir wissen es seit „Edward mit den Scherenhänden“ und aus 100 weiteren amerikanischen Filmen. Die Vorhölle der Langeweile, der amerikanischen Klischees sind die Suburbs. Alle fahren in den gleichen Chevys die Revolutionary Road entlang, alle haben die gleichen Ängste, in der Masse unterzugehen und alle wohnen einem alles in sich beerdigenden Friede bei; unter dem ein erbitterter Krieg geführt wird, niemand nur ansatzweise Ruhe findet, und schließlich Amok läuft, die Untoten heimkehren lässt, oder Gemetzel & Prophezeiungen vom Untergang kursieren. Der Film weiß, die Suburbs haben nichts Gutes zu berichten, außer von verlorenen Träumen. Den Soundtrack dazu liefern die grandiosen Arcade Fire, die mit Ihrem „album advertisement movie“ den Tod des Musikvideos einläuten wollen, (obgleich sie es in einem späteren Interview wieder zurücknehmen): Video killed the radio star, movie killed the video star? So einfach ist es dann doch nicht, vor allem dann nicht, wenn die ge-teen-agede Tagtraumversion die Grenzen der Stadt durch das Militär verriegeln lässt, bzw. die Eltern die Haustür versperren, weil der Abwasch sich türmt und der einzige Rückzugsort das Jugendzimmer/ die Plastik-Pumpgun & die Kassettensammlungen sind, in denen sich Alben mit dem Titel „Funeral“ auffinden. Dann wünscht man sich, aus politischen Gründen zu sterben, aus Protest zu verbrennen, sich der Folter des Alltags durch größere Diskussionen um „wer der größere Looser ist“, zu entziehen. Das ausgedehnte Ausmalen von Szenarien gehört zum älter werden, wie der erste Kuss: „you know when the situation comes, think it´s gonna be cool.“ - neben den gängigen Rollenstereotypen des z.B. ewigen Paars, gibt es natürlich auch den Typen im Film, der alles verstehen will & aufrichtig für seinen Freund eintritt… hiking and biking, stand up beside the fireplace & as restless as we are… Doch dieses Mal wird man nicht im Familienkrach verzweifeln und die Haustür werfen, darum soll der Rückblick auf „scenes from the suburbs“ auch nicht im Allgemeinen verbleiben – in der Vermutung, dass sich an dem Ort im Film, an dem Jugendliche sind, auch immer Klischees versammeln. Denn ich finde die Idee der „album movies“ eigentlich gut. Anmutig sind die Szenen, in denen das sinnierende Klavier die Augenblicke der Phantasie in Herzpochen und Augenaufschlag verfilmt, die tiefen, mächtigen Kontrabässe, die wie ein Unheil in den Krieg mit sich selbst ziehen und die im Verkehrslärm der Stadtautobahn untergehende Prophezeihung „You know guys, sth. will happen to you“. Spike Jonze entwickelt ein völlig neues Format der „Tagtraum-Sequenzen“, die physisch die Gedankenwelt ganz ohne sepia, slowmotion und schwarzweiß-flash-forward, übersetzt. Will dieser Film Käufer für das Album gewinnen, oder die Musik über das Format gewinnen lassen – ist es die Emanzipation des Soundtracks hin zum Soundmovie? „I don´t know“ steht auf dem T-Shirt des Protagonisten dieses kleinen Films. Mir bleibt, mit den lyrics von „Suburban war“ an eines zu glauben: „I've been living in the shadows of your song.“ scenes from the suburbs canada, 2011, 28 min R: spike jonze D: arcade fire typolis: Film und Kritik mary cloud berlinale 2011, berlinale shorts, festival Copyright © 2011 mary cloud 2011-02-18T01:39:42Z http://filmkritik.typolis.net/stories/231671/ Die am weitesten verbreitete und heftig kritisierte frauenfeindliche Erzählung des Kinos geht ungefähr so: in einem von Männern dominierten Millieu (also gern Armee, Schule, Universität oder ähnliches) taucht eine Frau auf, die den treu der Gemeinschaft dienenden Männern gefährlich wird, weil sie nicht nur ein Begehren hat, sondern dieses an den gerade verfügbaren Männern auch stillt. Nachdem sie solcherart ein oder zwei Männer ins Verderben gerissen hat, kommt sie zu Tode, wird außer Landes gebracht oder verschwindet sonst irgendwie von der Bildfläche. Zurück bleibt der männliche Star des Films, der sie zwar geliebt hat, sich ihr aber nicht hingegeben hat und deshalb doppelt gerettet ist: vor ihr und vor seinem Begehren, das nur noch als melancholischer Schatten übrig bleibt. Das Musterbeispiel dieser Erzählung ist Alfred Hitchcocks Vertigo. Die am weitesten verbreitete und heftig kritisierte homophobe Erzählung des Kinos geht ungefähr so: ein Schwuler kennt sein Begehren und ist entschlossen, sich ihm hinzugeben. Er versucht deshalb den begehrten Anderen zu verführen, was ihm in einer traumartigen, alkoholisierten oder sonst irgendwie aus dem gewöhnlichen Lauf der Dinge herausgenommenen Situation auch gelingt. Daraufhin bricht dieser den Kontakt ab und macht ihm und sich Vorwürfe. Schließlich stirbt der offen mit seinem Begehren umgehende Schwule. Durch seinen Tod wachgerüttelt, nähert sich der Zurückgebliebene ein klein wenig mehr seinem eigentlichen Begehren und vereinigt sich in einem weiteren Traum doch noch mit dem Geliebten, der nun, ungefährlich, weil tot, und ewig rein, weil nur imaginär mit ihm verbunden ist. Gemeinsam ist diesen beiden Erzählungen, dass sie ein offen abweichendes Begehren nur um den Preis zulassen, dass es sich nicht wiederholen kann und keine wirklichen Auswirkungen auf das Wohl der Gemeinschaft mehr entfalten kann. Die Lektion, die hier gelernt werden kann: wer nicht begehrt wie alle anderen, wird vom Leben ausgeschlossen. Wer dem Tod durch falsches Begehren gerade noch entkommt, bleibt melancholisch und dysfunktional zurück. Das Musterbeispiel dieser Erzählung ist Brokeback Mountain. Ich muss nicht weiter ausführen, dass ich nichts auf der Welt weniger möchte, als noch einen Film zu sehen, der eines dieser beiden Narrative bedient. Warum sich Marco Berger entschlossen hat, in Ausente das Schlimmste aus beiden Narrativen in einen Topf zu werfen, alles in unerträglich dämmeriges Sepia zu tauchen, mit aberwitzig sinnlosen Filmzitaten vollzustopfen (eine Duschszene, die glücklicherweise nicht in Mord endet) und keine Gelegenheit auszulassen, die männlichen Hauptfiguren in Pinup-Posen schlafend auszustellen, weiß nur er allein. Ausente Argentinien, 2011, 87 min R: Marco Berger D: Carlos Echevarria, Javier De Pietro, Antonella Costa Dieser Artikel erscheint auch auf www.andrewendler.de typolis: Film und Kritik poicard berlinale 2011, forum, marco berger Copyright © 2011 poicard 2011-02-17T11:50:11Z Search this site: q http://filmkritik.typolis.net/search